Present Presentation

On the conference "Art & Subjecthood" at Frankfurt Staedelschule (2011)

Sanja Ivekovic "Light House", 1987-2001, photo CL

In July the German Institut für Kunstkritik in Frankfurt am Main hosted a five hour symposium on the topic of “the Return of the Human Figure” in the visual arts. Matching my personal observation, the blurb read: “Many art works today evoke the human figure: Consider the omnipresence of the mannequin in current installations […] this artistic convention becomes questionable when discussed in the light of Franco Berardi's theory of semiocapitalism - a power technology that aims squarely at our human resources.”1

These lines contain two debatable assumptions. Has there ever been any “power technology” which did not “aim squarely at our human resource”? Or a time when “many art works“ did not “evoke the human figure”?


Enrique Marty "Fanatics", 10, photo CL

These lines contain two debatable assumptions. Has there ever been any “power technology” which did not “aim squarely at our human resource”? Or a time when “many art works“ did not “evoke the human figure”?

Since the 1980ies neo-expressionists' enthusiasm for theatrical gestures, the human body has never been off duty, whether in painting nor in lens-based media, installation, sculpture or performance. Hence the omnipresence of mimetic images doesn't necessarily proof semiocapitalism's all devouring reign.

However I felt intrigued by the “omnipresence of the mannequin”-bit because of the striking amount of references to mass media's body-clichés – be it those garish monsters of (all too) well-known freak-show directors, or trashy one-liners.

These lines contain two debatable assumptions. Has there ever been any “power technology” which did not “aim squarely at our human resource”? Or a time when “many art works“ did not “evoke the human figure”?

Since the 1980ies neo-expressionists' enthusiasm for theatrical gestures, the human body has never been off duty, whether in painting nor in lens-based media, installation, sculpture or performance. Hence the omnipresence of mimetic images doesn't necessarily proof semiocapitalism's all devouring reign.

However I felt intrigued by the “omnipresence of the mannequin”-bit because of the striking amount of references to mass media's body-clichés – be it those garish monsters of (all too) well-known freak-show directors, or trashy one-liners.

Hannah Hoech, no details, photo web

Being the event's main attraction, Hal Foster resorted swiftly to his personal comfort zone in early Modernism.

Turning towards figurines of the artistic movements of this period, he manifested a severe case of obsessive compulsive disorder concerning iconography (quite common among his peers), which made him spot a mother wherever a sitting female artist is holding a puppet, and a lover as soon as she is standing, holding the puppet next to her.

Hence to his mind Hannah Hoech's Dada-dolls were just a substitute for the real thing.

See what I mean? As long as the majority of spokespersons is caught in habitual semiotic tracks there's no way to free anthropomorphic signs from their conventional “meanings”. Whatever Hoech may have created – Foster discerns children and lovers.

Hoech, no details, photo web

Later Michael Sanchez described works of art as social devices moving through network distribution.

This way their presentation and reception follows the conditions of these networks' infrastructure, subjugating the piece to the medium - by which it is born again so to speak.

In this sense art serves as a model for artists who as well are supposed to model themselves into profiles which can then be traded under the condition of social network's popularity scales.

Thinking about the difference between presenting and profiling oneself, I recognized a certain resemblance between two kinds of slides running across the wall during a previous paper, showing the average Diary-pics from Art Forums' homepage, along with photographs of editors of an more academical journal called Texte zur Kunst, lecturing at a recent gathering.

Both groups conveyed their respective longing for belonging via specific signs: While the usual suspects attracting Art Forum's attention would present themselves heavily partying, those respectable speakers of the scholarly magazine, concentrating on their manuscripts within the black and white environment of some serious seminar, clearly produce science before our very eyes.

These slides resembled two different ways of branding: the cheerfully air-kissing collectors and curators in one magazine, the men and women at work in their no-nonsense setting in the other.

Katharina Fritsch, installation shot, 11, photo CL

Thinking about the necessity of sending personae into the respective markets, the similarity between producing material and virtual stand-ins began to dawn on me. Quoting Adorno, one speaker declared art works to be rhetorical figures of the subject, which would make each work something like the artist in drag. Likewise the various public appearances could be considered rhetorical figures of an anonymous agent, sending out site-specific doppelgaengers within a network without a centre.

Hence the science of avatar-construction has become vital in art and life. As a consequence the body reappears with a vengeance.

Juan Munoz "Plaza 2", 1996, photo CL

In the first decades of the 20th Century people were prevented from self-realisation, whereas in Post-Fordist society they are required to. Being confronted with traditionalist expectations of how things were supposed to be and look like, modern artists felt an urge to come up with alternative models of conventional reality.

Nowadays the dissolution of obvious restrictions in favour of a seemingly universal liberty to display whatever comes to mind – or rather is put in there – again urges artists to comply with given models. The resulting need to visualize hidden regulations has yielded huge amounts of allusions to or adoptions of consumer culture.

Sometimes the boundaries between critical distance and downright identification with standardized beauty blur, just as those between using and being used by social networks. In the first case staging attractive consumer goods in an art context raises the question whether those works exaggerate or just satisfy the spectators' desires. The subject or object position concerning social networks however depends on the extent to which participants are able to detach themselves from their product they offer to the market – their online-selves that is.

Young Joo Lee, performance device, 11, photo CL

An opening following the symposium provided the ultimate visualisation of this kinship between the circulation of objects through the art-market, and subjects through social networks.

For there it was – the missing link connecting artistic alter and lower egos on the one hand, with those social networkers creating personae called profiles on the other.

Young Joo Lee's Triomphet, displaying the multiple faces the artist is required to adopt in quick succession, summed it all up.

Bad Painting

"Kunstansichten" Offenbach (2011)

Wieder eine dieser konzertierten Aktionen, bei denen sich die sonst Konkurrierenden versöhnlich in die Arme sinken, um sich ein Wochenende lang als würdig zum Empfang kommunaler Zuwendungen zu erweisen. Dies ist keinesfalls so polemisch gemeint wie es klingt – ich persönlich liebe solche Wimmelveranstaltungen und fahre stoisch alles ab (nicht um!), was sich mir in den Weg stellt: Galerien beim Galerien-Wochenende, Ateliers beim Atelier-Wochenende.

Das einzige Auswahlkriterium meines planlosen Besichtigungsrausches, die verkehrstechnische Machbarkeit, führt mich in – sagen wir mal „abwechslungsreiche“ Umgebungen. Es gibt halt solche und solche, und letztere überwiegen zuweilen bei solchen Gemeinschaftsevents.

Harmoniebedürftig wie ich bin, verschone ich euch mit visuellen Belegen der beachtlichen Spannbreite des künstlerischen Niveaus. Weniger, um unsere Bildschirme nicht mit diesen ganz besonderen Werken (sprich Sondermüll) zu belasten, als vielmehr, da die Tatsache, dass ich etwas überflüssig finde, nicht bedeutet, dass es das ist. Lieber beschreibe ich das Grauen, wohlwissend, dass ihr über einen ausreichenden Vorrat an ähnlichen „Großer Gott!“-Erlebnissen verfügt, um meine Schilderungen aus eurem persönlichen „Nee, oder?“-Ordner zu schmücken.

Denn wenn es eine aller Kunst gemeinsame Eigenschaft gibt, ist es die Unverbindlichkeit individueller Urteile. Ungeachtet aller noch so tragfähigen Kriterien hängt ihre Anwendung von den EndverbraucherInnen ab, die ihre Entscheidung über Daumen rauf oder runter aufgrund einer individuellen Kombination vergangener und gegenwärtiger Bedingungen treffen: Prägungen und Erinnerungen, körperliche und geistige Verfassung, sowie Hoffnungen und Ängste hinsichtlich der Zukunft.

Mark Bradfort "And Off They Went", 10, Detail, Foto CL. Sämtliche Bilder sind keine Negativbeispiele, sondern veranschaulichen das für den Text zentrale Thema "Vernetzung".

Ich habe mir angewöhnt, vor der Bekanntgabe eigener Urteile die Meinung des Gegenübers in Erfahrung zu bringen. Wenn diese positiver ausfällt als meine, bin ich heilfroh, rechtzeitig den Schnabel gehalten zu haben und schmarotze probeweise an der Wahrnehmung meines Gesprächspartners. Manchmal eröffnet mir dieses Ausleihen anderer Leute Augen und Hirne Neuland, manchmal wird es gewogen und zu leicht befunden. Immer aber bestätigt es mich darin, dass das Einholen verschiedener Ansichten der Meinungsbildung immer zuträglich, vorlautes Watschen hingegen Kunstzerstörung ist.

Daher auch das hiesige Bildfasten. Denn würde ich jeden geifernden Satz mit Anschauungsmaterial krönen, würde diese negative Programmierung jegliche andersgeartete Sichtweise erschweren und somit das aller Kunst eigene Potential auf Emoticon-Format schrumpfen.

Insofern geht es mir hier nicht darum, eine Aufzählung persönlicher Zu- und Abneigungen zu bebildern, als vielmehr um das grundsätzliche Phänomen des Angebots ohne Nachfrage.

In diesem Fall waren es also die sog. „Kunstansichten Offenbach“, bei denen ca. 45 Ateliers einer mittelgroßen Stadt mit Kunsthochschule zwei Tage lang das Volk über sich ergehen ließen.

Naturgemäß werde ich, das Volk, auf diese Weise mit einem bemerkenswerten Qualitätsgefälle konfrontiert. Dass KünstlerInnen Schrott produzieren, ist nicht weiter bedrohlich – Shit happens. Beklemmend ist vielmehr, dass manche es so hartnäckig tun. Und mit dieser Feststellung begeben wir uns auch schon vom kunstspezifischen Terrain auf die kosmische Ebene, denn die Investition von Zeit und Energie in Aktivitäten, die niemand braucht, ist ein uns alle verbindendes Hobby.

Relikte einer Performance von Ina Juretzek u.a. in der Heyne Kunst Fabrik, Offenbach, Foto CL

Dass in einem Atelier mehrere bunte Probleme nebeneinander hängen, ist allein noch kein Grund zur Sorge. Das kann in jeder Ausstellung geschehen, ohne die Befürchtung nahezulegen, der Täter könne nicht anders. Vielmehr mag es sich einem Augenleiden der KuratorInnen oder einem treudoofen thematischen Schwerpunkt verdanken. Jedenfalls besteht Anlass zur Hoffnung, bei den Exponaten möge es sich um Entgleisungen handeln, die immerhin Entwicklungspotential ahnen lassen.

Stehe ich aber inmitten eines Ateliers, in dem nur ein Teil des Grauens die Wände ziert, während ein identischer Rest aus Regalen, Schränken und Mappen lugt, beginne ich über die Vergeblichkeit menschlichen Mühens zu sinnieren.

Vergangene Woche zeigte Tacita Dean, eine meiner Lieblingskünstlerinnen, Ausschnitte aus einem Film über Claes Oldenburg. Entsprechend ihres Prinzips, Personen in einem für deren Lebenswerk bezeichnenden Kontext zu dokumentieren, hatte sie Oldenburg vorgeschlagen, er möchte seine umfangreiche Sammlung kleiner Gegenstände namens „Mouse Museum“ abstauben und sortieren. Bereits 1972 auf der Documenta 5 präsentiert, füllte diese Masse von manuell und industriell gefertigtem Klimbim - Spielzeug, Werbemittel, Ziergegenstände – ein ganzes Wandregal in Oldenburgs Studio.

So schrullig das klingt, ist eine umfangreiche Sammlung aus Sicht der Außenwelt nur bedingt wertvoller Objekte keinesfalls selten, sondern fast die Regel innerhalb einer Bevölkerungsschicht, deren Grundbedürfnisse gesichert ist. M.a.W. verfallen viele Menschen außerhalb der Notstandsgebiete irgendeiner Art von Gegenständen, deren Attraktivität sich anderen nicht zwangsläufig erschließt.

Tacita Dean während ihres Vortrags in der Staedelschule, 9.5.11, Foto CL

Ein gemeinsames Merkmal von Deans Filmen ist ihre Fähigkeit, das Aufgezeichnete durch kommentarlose Dokumentation über sich selbst hinausweisen zu lassen. Landschaften, Architektur, Objekte, Personen – sie alle entfalten eine über größere und tiefere Dimension durch den schnörkellosen Blick der spektakelfreien Kamera.

So auch im Fall von Oldenburgs Pflege seines archivierten Unsinns. Nach kurzer Zeit gerät das Abstauben und Ordnen persönlicher Kleinodien zur beklemmenden Metapher für menschliche Aktivität allgemein – von Misanthropen schon mal als „Stühlerücken auf der Titanic“ bezeichnet.

Während die Kamera dem Künstler näher kommt, nimmt der Betrachter dessen Perspektive ein – die mikroskopische Sicht auf dieses jahrzehntelang vervollständigte Universum aus Bling. Der Anblick der Versenkung einer Person in eine Aktivität einerseits, und das Wissen um deren Bedeutungslosigkeit für anderen andererseits1 gibt Anlass zur Frage nach ähnlich absorbierenden, dabei aber objektiv verzichtbaren Aktivitäten im eigenen und anderer Leute Alltag.

1Wenn man mal von Deans Film absieht, sowie von der Tatsache, dass auch wir uns nun schon seit Minuten damit befassen.

Mateo López "Changing Matter", 10, Foto CL

Den gleichen Effekt hat der Anblick des erhöhten Kunstaufkommens in den Ateliers derer, die am vergangenen Wochenende Einblick in ihre Arbeits- und Lagerstätten gewährten. Seit Jahrzehnten hat der weltweit steigende Ausstoß von Kunst vormalige ProduzentInnen von der Erzeugung zusätzlicher Objekte zu prozessorientierten oder konzeptuellen Arbeiten wechseln lassen. 2010 fand Michael Landys Art Bin – ein Plexiglas-Container, der KollegInnen erlaubte, misslungene Werke vor aller Augen und in aller Form in die Tonne zu treten, begeisterte Zustimmung, schien er doch die zeitgenössischste aller zeitgenössischer Kunst in einer Phase, da das Angebot die Nachfrage in beängstigendem Ausmaß übersteigt.

Die Gründe für das Missverhältnis sind zu vielschichtig, um sie im Rahmen eines Blogbeitrags zu behandeln. Dass es sich aber so verhält, liegt auf der Hand angesichts des anhaltenden Verteilungskriegs um die knappe Ressource Aufmerksamkeit. Scharen von kurz- oder langfristigen Zusammenschlüssen, On- und Off-Spaces, kommerziellen Galerien, Bi-, Tri- und Quatriennalen usw. versuchen durch gemeinsame Initiative dem Schicksal der EinzelkämpferInnen „divided we stand, together we fall“ zu entgehen.

Steve Lambert "I will Talk with Anyone", 06, Foto e-Flux

Das wichtigste Werkzeug dabei ist – wie überall – Kommunikation und Bildung. Denn nur durch das Bekanntmachen des Produkts, zusammen mit der Vermittlung des zur Rezeption erforderlichen Wissens lässt sich die Klientel erweitern.

Darin liegt der Sinn solcher Gemeinschaftsaktionen, wie sie in unterschiedlichen Formaten zwischen Klein- und Groß-Posemuckel stattfinden. Und da ich mir öfter mal vorstelle, es ist wasauchimmerfürein „Weekend“, und keiner geht hin, gehe ich überall hin. Das ist meine Art donquichotiger Graswurzelarbeit gegen Blockbuster-Shows und prominente Bösewichter, wie sie als Star-KünstInnen oder allesfressende Mega-SammlerInnen durch die Medien geistern.

Ja klar, wie eingangs erwähnt, ist die Palette bei diesen basisdemokratischen Ereignissen ziemlich bunt, aber, wie ebenfalls erwähnt – es gibt halt nicht nur solche, sondern auch solche.


Art Cologne 2011

Mein Lieblings-Stand: "White Meditation Room" von Grossetti Arte Contemporanea, Foto CL


Mir scheint, als ob ich über Kunstmessen häufiger schreibe als über Ausstellungen – im vorliegenden Fall ist es die Art Cologne.  Und da mich weder Kauf- noch Verkaufsabsichten treiben, konsumiere ich sie aus purer Genusssucht. Schließlich kann ich davon ausgehen, dass ich hier mit all den anstrengenden Begleiterscheinungen themengebundener Ausstellungen verschont werde: Keine Wandtexte, keine Vitrinen voll Dokumente, keine wortgewaltigen Videos, keine performativen Belastungsproben.

Zwar wissen wir, dass Kunst mehr ist als das, was an eine Wand oder auf einen Sockel passt, unter Messebedingungen aber beschränkt sie sich eben doch auf eben diese verkaufsfördernden Formate. Wie erholsam.1

1Auf die überwiegend äußerst lohnenden Begleitveranstaltungen und Nebenmessen gehe ich hier nicht ein, weil die ein komplett anderes Thema sind.

Stef Heidhues, o.T., 10, Foto CL


Warum begebe ich mich in die Niederungen einer Verkaufsfläche, statt mich inmitten der wissenschaftlich begleiteten Konsumzurückhaltung einer kuratierten Ausstellung dem interesselosen Wohlgefallen hinzugeben? Weil sich die hier suggerierte Entweder-Oder-Frage nicht stellt, denn Messen einerseits und Galerien, Ausstellungen oder Museen andererseits sind nicht zu vergleichen.

Der Unterschied besteht im Motiv: Eine Ausstellung verfolgt alle möglichen Absichten (Erörterung einer übergreifenden Frage, Überblick über eine Zeit, einen Raum oder das Werk einer Person oder Personengruppe usw.), eine Messe hingegen eine: Umsatz.

Und um diesen zu gewährleisten, müssen sich die Werke unter anderen als den Bedingungen einer Ausstellung bewähren. Eine Messepräsentation ist Ergebnis natürlicher Auslese: Nur was sich gegen die erbarmungslose Konkurrenz anderer oder ähnlicher Objekte durchzusetzen verspricht, wird knapp bemessener Platz während knapp bemessener Zeit zugewiesen. Denn während die BesucherInnen von Ausstellungen absichtlich und entsprechend motiviert erscheinen, um sich innerhalb eines angemessenen Zeitrahmens auf angemessener Fläche mit dem Ganzen und seinen Teilen zu beschäftigen, bleibt der zum Verkauf vorgesehenen Kunst angesichts des gesamten Angebots wenig Zeit und wenig Fläche, um auch das Interesse der Laufkundschaft zu wecken.

Das Wissen um diese Bedingungen erhöht zumindest meine Aufmerksamkeit, weil sich bei jedem Exponat die Warum-ausgerechnet-das?-Frage stellt.

Und sie bewegen sich doch! Anna Galtarossa "Skyscraper Nursery", 11, Foto CL


In einer idealen Welt befindet sich der Stand bereits nach der Preview am Abend vor der offiziellen Eröffnung im Post-Heuschrecken-Zustand, und wird während der Restlaufzeit aus den mitgeführten Beständen neu befüllt.

In der uns vorliegenden hingegen wird der Geschäftsverlauf von den Verantwortlichen gern so beschrieben: „Wir sind sehr zufrieden. Wir konnten mit außergewöhnlichen Spitzenpositionen überzeugen, unsere SammlerInnen sind äußerst engagiert und wir haben zahlreiche Gespräche im Vorfeld späterer Kaufentscheidungen geführt.“

Dies oder ähnliches erklingt, wo immer Mikrofone und Kameras das Interesse der Weltöffentlichkeit verheißen.

Selten wird der Imperativ „du sollst positiv sein“ so gewissenhaft eingehalten wie auf Messen. Denn während in der heimischen Galerie anhaltender Erfolg nur gegenüber KundInnen behauptet werden braucht, befindet man sich hier in einer temporären Wohngemeinschaft mit ausgerechnet denjenigen, mit denen einen gerade mal die gemeinsame Abneigung gegen die anderen verbindet. Und da gilt es, pausen- und gnadenlos Zuversicht versprühen, beruht doch der Kunstmarkt auf der Fähigkeit, potentielle KundInnen von der vergangenen, gegenwärtigen und zukünftigen Bedeutung der KünstlerInnen zu überzeugen, und zwar unter besonderer Berücksichtigung der Regel: Nichts ist erfolgreicher als der Erfolg.

Folglich werden vorsichtig Anerkennung äußernde BesucherInnen durch leidenschaftliche Zustimmung ermuntert, wobei eine gewisse professionelle Reserviertheit gewahrt wird. After all sind wir hier in Germany, you know? Anderswo sieht man ekstatische Beifallsbekundungen, begleitet von expressiver Körpersprache entspannter.

Ups. Foto CL


Wobei, bitte Vorsicht mit allzu spontanen Gesten. Dies beispielsweise ist keine Bodenplastik, wie ich anfangs dachte, als vielmehr eine zu Boden gegangene Plastik.

Leider sind auf Messen nicht alle so umfassend versichert, wie sich es die an derartigen Ups-Sorry-Ereignissen Beteiligten wünschen. Denn de Kosten einer Messeteilnahme entsprechen so schon der Halbjahresmiete der eigenen Galerie, und auch wenn man den Geld-spielt-keine-Rolle-Habitus kultiviert, spart man doch diskret an Posten, die weniger auffallen, wie z.B. an der Standversicherung.

Unentspannten Angsthasen scheint das der suboptimale Ort, die finanziellen Belastungen einer Messe zu mildern, denn Kojen heißen so, weil sie welche sind, nämlich: eng (mit Ausnahme der der global players, die ganze Hallensegmente besiedeln). Und wo jeder bezahlte Quadratmeter sich amortisieren soll, wird die beliebte Definition, Skulptur sei, wogegen man stößt, wenn man zurücktritt, um ein Bild zu betrachten, schnell konkret.

Laura Ford "Espaliered Woman", 07, Foto CL


Nicht nur der knapp bemessene Raum stellt ein Versicherungsrisiko dar, sondern auch die Notwendigkeit, sich innerhalb all der sich Profilierenden zu profilieren. Bei soviel gleichen Bedingungen möcht man schon gern ein bisschen gleicher sein. Andererseits will niemand als Klassenclown durch schrille Exponate auffallen – zumindest nicht nur. Die Mischkalkulation, die schon die Auswahl der präsentierten KünstlerInnen bestimmt (ein Drittel Emerging, ein Drittel Mid-Career, ein Drittel Retrospektive) bestimmt auch das Verhältnis leiser und lauter Arbeiten. So hat es sich bewährt, zumindest einen Blickfang entweder außen (zieht Leute an) oder innen (zieht Leute rein) zu platzieren. Nur haben Blickfänge zuweilen versicherungstechnisch prekäre Formate, die schnell mal versunken vor sich hin textende Walkmen aufspießen oder flach legen.

Markus Leitsch "Rocks", 10, Foto CL


Was tun? Das Versicherungswesen unserer leiblichen Degeneration angleichen. Denn, mit Verlaub, wir sind schon ein bisschen körperbehindert, seit unser Kopf zum ergonomisch geformten Adapter für allerlei Schnittstellen gediehen ist. Das Sichtfeld ist auf den Radius diverser Displays geschrumpft, die Ohren werden chronisch von Stöpseln oder Telefonen belagert und der Sprachapparat verdichtet die komplexesten Zusammenhänge auf 140 Zeichen. Mit Bohnen in den Ohren, Tomaten auf den Augen und Textbausteinen im Mund torkeln wir dann durch Versuchsanordnungen, die eigentlich die Körperbeherrschung unserer Säbelzahntiger-affinen AhnInnen erfordern, und fallen hinein.

Der Teil & das Ganze (oder: Kunst & Gesellschaft ...)


Soviel zu den Gefahren der Messekojen für EndabnehmerInnen. Aber auch die Insassen leiden – nicht, weil sie eine knappe Woche im Scheinwerferlicht und air konditioniert ihr erfolgsverwöhntes Dasein fristen, sondern weil die äußere Anmutung einer Messekoje eine fundamentale Kränkung jeder ästhetisch empfindsamen Seele bedeutet. Denn das Interieur einer Koje legt in bewährt post-strukturalistischer Manier sämtliche Mechanismen offen. Das mitunter abrupte Zusammentreffen der Wandteile wird weniger kaschiert als thematisiert, und auch die Mysterien der Stromversorgung finden – nein, nicht im Hauptbahnhof, aber vor aller Augen - statt. Auch das schickeste Mobiliar und andere Strategien, die Tatsache der Unterbringung in einem Container vergessen zu lassen, stoßen rasch an ihre Grenzen. Insofern gilt auch auf der prestigeträchtigsten Messe: Zuhause ist es doch am schönsten, und angesichts des eingangs erwähnten, signalisierten Interesses findet der endgültige Geschäftsabschluss dann wohl doch in der heimischen Galerie statt - im wahren Leben, nach Ende des falschen.

Get Me Out of Here

On Art Karlsruhe in the face of destruction

Christian Lapie "Evoquer les ombres", 08, photo CL

So this is about two incidents which happened onthe same weekend at the beginning of March 2011. The first, an art fair, definitely belongs to the past. Today, that is three weeks on, all those deals arranged then have come to fruition – or maybe not – but anyway the whole event is over and done with.

The second, a tsunami on Friday 11thand a resulting nuclear accident, hasn't passed at all. The intermediate weeks seem like a persistent attempt to come up with ever more variations on one sentence: “We just don't know.” While people were groping in Orchestrated Manoeuvres in the Dark, the public was fed a constant flow of wordy speechlessness. When this kind of non-information was created previously, usually a dark force was suspected – some governmental or institutional weirdos preventing humanity from knowledge. But this time the problem seems to result from some hand-crafted genie, refusing to return to its bottle – a monster-genie which erroneously had been mistaken for a kind of Manga-character.

Nicole Ahland "expectare 2", 10, photo CL

One World and Two Velocities

Hence the truism about time being relative becomes palpable when, on the one hand, the flow of information grinds to a halt while on the other, things keep deteriorating. While for a three-week period we didn't learn anything reliable, under the radar the situation in the Japanese power station has been developing. Since the unnerving lack of facts was compensated by an equal amount of crude opinions and excited speculation, an artist from Europe, presently based in Japan, replied to a concerned commentator:

The last thing we in Tokyo need is hysterical, Hollywood-like news from the foreign media, which we could all follow during the 12thto the15th. Disgusting. We need clear, serious heads.”1


So much for the difference between back then when I was roaming the fair in quite an agitated state of mind on the one hand, the time I'm writing this right now on the other, and furthermore the time when you will be reading it. Then – about a month from now - you probably know more but not enough. Or perhaps more than enough.

This morning the man on the radio says the Japanese government expects radioactive substances to continue leaking for months to come. This being the case, I wonder how many times he will repeat this announcement before falling silent like he did after describing the different procedures to stop the last oil spill; or when he grew tired describing the cleaning-up operations after earthquakes and floods and all those events which were quickly overtaken by the next catastrophe.

1 Mario Ambrosius.

Hideaki Yamanobe "Daylight #25", 11, photo CL

Comfortably Numb1

When I visited the Karlsruhe art fair two days after the earthquake, my level of knowledge just sufficed to recognize a historic event when I saw one. And although at this early stage the news was still alternating between alarm and hope, I stubbornly predicted another of those ends of the world as we know it. Once again.

So I was trudging about four halls packed with remarkably varied exhibits- – goods that is, it’s a fair after all – and Iwas desperately looking for mind-numbing impressions to absorb my diverted attention.

As far as art is concerned I'm demanding anyway. I want it to do this as well as that, achieve this one anyway and that one all the more. In addition to these excessive demands, that weekend back then, art was supposed to rescue me from reality – even if just temporarily. I wished to be absorbed, while at the lower edge of my mental field of vision, the news made up of facts and fiction was running non-stop, reminding me relentlessly of “what is waiting outside”2.

Let it wait. And let me be.


1Track from Pink Floyd „The Wall“.

2„What is waiting outside“ was the title of the Berlin Biennale 2010.


Wrong Question

Faced with visual overkills like fairs or artists' iPads, I usually manage to maintain a mild tolerance, letting my eyes wander around the cacophony of stimuli in a blurry way, only focussing when something promises to be worth a closer look. This time however, due to my apocalyptic state of mind, I'm appraising everything with a certain lack of humour, like someone about to move from a mansion to a shoebox, subjecting all possessions to the question: is this really necessary?

This is not exactly a subtle method of investigation, I admit, hardly a decent way to approach art work and not really suitable to evaluate a marketplace, where visually attractive or downright “beautiful” items are traded.

Now this should be the moment to insert samples of all those eye-catchers, vying for the attention of those slogging along in mental standby. Yet since those depictions would only promote the very kind of art which attracts cameras anyway, I'd rather refer you to your own visual memory, where you have certainly saved loads of big, funny, multicoloured creatures rife with wow-factor.

Eventually it all comes down to the question of – or rather the quest for – meaning. Being confronted with existential issues there's a limit to how much “awesome” and “love your work” you wish to hear, to how much child-like cuteness on 3 x 5 metres you wish to see, or how many times you like to be assured that sex sells when nothing else does.

As time goes by I get in a kind of central committee-mode, planning to suggest to the fair's executive director to limit the number of ad-like teenage portraits, in order to clear space for something you still care to look at when the roof caves in. Of course I don't want to moralise.

Well, the truth is: sure I do.


Patrizia Waller "Tierversuch III", 1997, photo CL


Bad Times for Good Times

After all, they were right – in a way – those Frankfurt School spoilsports with their lament about beauty's inherent deceit. Now this isn't exactly news, but rather the reason that “beauty” hasn't been too popular since ... actually since the years immediately following World War One.

Hence even without the participation of hard-liners like Paul Mc Carthy and his ilk, even the mall-like environment of an art fair doesn't consist of wallpaper and paperweights. Instead it does include the abject. Evidently the amount of candour the audience is expected to put up with is finite. Photographs of terrorist attack victims do reveal an aspect of everyday life usually concealed, but maybe it'd be better to put a (gallery-)door between these facts and unsuspecting ramblers running the risk of being confronted with them inadvertently. There's no point in unbidden lectures about the dark side of the news.

Jupp Linssen, installation view, photo CL

Pretty Despite Everything

Yet it wasn't extreme kinds of honesty I was looking for, but simply art that displays an awareness of reality. At all times people enjoyed life in the face of its less joyous aspects. In times of plague they were dancing in the streets, towards the end of the Second World War they are said to have been partying in bunkers, and just a few years ago NATO soldiers posed with human skulls.

There are two ways of facing life-threatening conditions: with and without knowledge. That's why there is no need for solemn agitprop. Rather an apparently serene outer appearance may convey an awareness of its superficiality, just as some seemingly inconsequential formalist piece may open up headspace for quite non-aesthetic musings.


Returning to the claim for meaningful art, the bottom line is, that although significance can't be measured, its producer's degree of knowledge can. In other words it is apparent whether a piece conveys ignorance or awareness concerning “what is waiting outside.”

Takashi Murakami "Hommage Francis Bacon", 04, photo CL



Just one day before that, I'd come across an eerily timely picture in a Munich gallery. Despite of his garish imagery, Murakami's ostensible cheerfulness has always been the fun-societal packaging of spiritual abyss. His general aversion concerning an ubiquitous materialism has generally been directed towards his Japanese compatriots, whose faith in progress and entertainment values at the expense of a number of other issues he summarizes in his concept of Superflat. So somewhere between the mirth covering Murakami's two- and three-dimensional trinkets, you'll occasionally happen across distorted creatures, crying, vomiting and falling apart.



It's easier to imagine the end of the world than the end of capitalism.”1

Since present crises evoke memories of previous ones, I wonder how Fukushima will feature in future visual and performing arts. After all we've learned to anticipate how it's going to be processed within culture and media. Shortly after 9/11 I had asked the same question, unaware of the final magnitude of more or less direct allusions which exceed all expectations. To what extent the present and visually less fertile incident will materialize mass culturally remains to be seen. Inescapably there will be emotionally charged films about those technicians risking – well, sacrificing – their lives, but hopefully we'll be spared artists' lapses like this one.

1Slavoj Žižek, zitiert auf


Christoph "11. septembre", 10